Rodin: el cuerpo desnudo

 

 

 

13 mayo - 6 julio 2008

Fundación MAPFRE

Sala de Exposiciones

Avda. del General Perón, 40

28020 Madrid

 

 

 En la presentación de esta exposición, Juan Fernández-Layos, Presidente del Instituto de Cultura de la Fundación señala, entre otras cosas:

“Es evidente como Rodin revoluciona para siempre la escultura moderna. Puede considerarse el último gran escultor, que marca la transición entre los talleres decimonónicos y las vanguardias históricas. Su innegable modernidad radica en que subvierte para siempre la tradición clásica del desnudo.

 El conjunto de esculturas que forman parte de esta exposición muestra las diferentes facetas a través de las que Rodin expresa su fascinación por el cuerpo desnudo. Junto a ellas, una nutrida selección de sus famosos dibujos eróticos evidencia como toda la fuerza de las obras proviene de una serena economía de medios. El trazo, la línea, el volumen o la superficie son las armas a través de las que Rodin recupera la carnalidad del cuerpo humano.”

El cuadernº[30, de este año 2008, publicación editada por la Fundación MAPFRE, está íntegramente dedicado a la exposición, y ofrece entre otras cosas, una cuidada y detallada bibliografía y enlaces sobre el autor y su obra en la web.

Intentaré no extenderme en el comentario acerca de mi visita a la exposición. Dividida en dos secciones, el recorrido va alternando esculturas y dibujos, siempre con el cuerpo desnudo como tema principal. Son formas llenas de erotismo, en las que Rodin precisamente parece jugar con él.

Los materiales de las esculturas con diversos, bronce, mármol, yeso, a veces patinado. Pero siempre, la curva, los cuerpos en movimiento, las posturas casi imposibles.  Sorprende en muchas de las obras como parecen emerger las figuras del material aún sin trabajar, dando la sensación  de que cobran vida desde lo inanimado y además, tienen un carácter de pieza inacabada. Es muy difícil señalar alguna obra determinada que me haya atraído especialmente, pero citaré dos obras en mármol que me impactaron: “Manos de amantes” de 1904, y “Andrómeda” de 1887.

 

      

 

 

 

 

 

 

 

 

En cuanto a los dibujos debo de reconocer que me sorprendieron; tanto por sus trazos, como por sus temas y, lo que resulta más curioso es que la mayoría no son bocetos preparatorios de sus esculturas, sino obras independientes que pretenden reflejar la realidad. Son dibujos realizados en papel, a pluma o lápiz y algunos contienen toques de acuarela. Buscan reflejar las acciones más simples de la intimidad femenina, siempre cargados de un gran componente sexual. Me ocurre lo mismo que con las obras de escultura, así que sólo mencionaré dos dibujos suyos: “Mujer desnuda con el rostro tapado por el cabello”, lápiz de grafito, difumino y acuarela sobre papel con filigrana, de 1890, y “Mujer tumbada de costado con la ropa levantada hasta la cintura”, lápiz de grafito y acuarela sobre papel con filigrana.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Curioso diccionario

Buscando el otro día un libro que quería releer me encontre con otro, un diccionario bastante curioso que en su momento me pareció interesantísimo. Al volver a hojearlo se me ocurrió dar unas pequeñas pinceladas de algunas de las definiciones que encierra, así que ahí va una muestra: 

ADMINISTRACIÓN PÚBLICA.- Batiburrillo que nadie comprende; ni el administrador ni el administrado. Laberinto de órdenes y contraórdenes; decretos que establecen y decretos que derogan; disposiciones que crean una cosa y circulares que la destruyen en seguida. Verdadera tela de Penélope que teje el ministro que cae y desteje el ministro que sube.

ARREGLO.- Contradanza de “quitate tu para ponerme yo” bailada en las principales oficinas del Estado, a la entrada de todo ministerio nuevo. Se ejecutan en ella los indispensables cambios de pareja, único y exclusivo objeto que se propone el bastonero. Como se baila a oscuras ocurren necesariamente muchas caídas, y como es muy natural, caen por tierra los menos listos.

CANDIDATURA.- Primer escalón para subir algo en la sociedad; sin trepar por él nadie puede figurar entre sus conciudadanos. (sigue más)

COALICIÓN.- Reunión de perros y gatos con el objeto de atrapar un hueso. Si lo atrapan los primeros, muerden a los segundos porque reclaman su parte; si son estos últimos los que lo cogen, arañan también; siguiéndose de aquí que se separan después unos de otros con más encarnizamiento que nunca. (…)

CONCESIONES.- Mordiscos que da el pueblo al pastel de la monarquía en los momentos de más hambre. (…) En esta clase de comida el peligro está en el primer bocado; al darlo, se despierta en los pueblos un apetito con el que son capaces de tragarse, no sólo el pastel, sino también al repostero. (…)

CONSTITUCIÓN.- Reloj de adorno que apunta y no da; almanaque que anuncia buen tiempo en los días de tormenta; guitarra sin cuerdas; libro, en fin, encuadernado en tafilete con remates de oro y con las páginas en blanco. Mas no se crea que está así porque no se ha escrito algo en ellas; nada de eso; es que se redactaron con tinta simpática, y merced a ciertos reactivos solo aparece a la vista los párrafos que conviene a sus lectores. (…)

DEMOCRATA.- Político que no manda ni tiene destino. Cuando alcanza alguna de esas dos cosas asciende a otra clase; se llama conservador, esto es, trata de conservar lo que pudo adquirir. (…)

FORMACION DE GABINETE.- Siete tajadas de un plato y setenta manos que se alargan a un tiempo para cogerlas. (…)

OPINIONES.- Almacén de trajes de máscaras muy vistosos y variados, donde cada político se pone el que más en armonía está con sus intereses. (…)

La curiosidad del libro radica en ser una obra que se publicó en el año 1855, y como puede verse conserva gran parte de vigencia en la actualidad. 

 

DICCIONARIO DE LOS POLÍTICOS,

o

verdadero sentido de las voces y frases mas usuales entre los mismos, escrito para divertimento de los que ya lo han sido y enseñanza de los que aún quieren hacerlo

por

D. Juan Rico y Amat

Madrid.- 1855  

Imprenta de F. Andres y Compañía 

Plazuela del Duque de Alba, núm. 4

 

 

 

BILL BRANDT (The home)

  

  En el marco de PHOTOESPAÑA2008, en la sala de exposiciones BBVA de Madrid (Castellana, 81), podemos visitar la de BILL BRANDT, The Home, que se inauguró el pasado 3 de este mes de junio y terminará el 27 de julio próximo.

Las fotografías expuestas, tomadas en los años 30 en Inglaterra, dieron lugar a su primer libro, The English at home (Los ingleses en casa), publicado en 1936. Las obras proceden de distintas colecciones británicas públicas, como el Victoria and Albert Museum o el National Media Museum de Bradford, y de otras privadas. El comisario de la exposición, Paul Wombell, exdirector de la Photographer’s Gallery de Londres, hace la presentación, que cito textualmente, en el programa de mano:

“El autor germano-británico Bill Brandt está considerado una figura central de la fotografía inglesa. Durante más de cincuenta años desarrolló un amplio espectro de temas -paisajes, retratos, desnudos, escenas sociales- caracterizados por un expresivo uso de la luz y el espacio. Aunque Brandt trabajó durante un periodo de profundos cambios sociales, sus imágenes entrañan sobre todo intenciones de carácter estético.

The Home (El hogar) se centra en los inicios de la Inglaterra industrial, periodo que va desde finales de los años 30 hasta finales de los 40. Brandt es uno de los primeros fotógrafos en interesarse por la estética industrial, así como en retratar a la clase trabajadora. En más de 50 imágenes, fotografía a familias obreras de distintas ciudades inglesas en la intimidad y en contraste con el entorno que las rodea. Obviando cualquier discurso político o moralista, Brandt construye paisajes de edificios deslucidos con los que arropa al hombre, eje central de su arquitectura.

Bill Brandt (Hamburgo, 1904 - Londres, 1983), hijo de madre alemana y padre inglés, pasó su infancia y adolescencia entre Alemania, Suiza y Austria. Tras trabajar durante una temporada en el estudio parisino de Man Ray, Brandt se asentó en Inglaterra en 1931 y comenzó a trabajar como fotoperiodista. Durante la Segunda Guerra Mundial documentó los bombardeos nazis a la ciudad de Londres para el Ministerio Británico de Información. Su obra se recoge en diez publicaciones entre las que destacan Shadow of Light (1966) y Bill Brandt Nudes: 1945-1980 (1980).”

Unas breves líneas acerca de mi opinión personal de la exposición: las obras que he contemplado están cargadas de un enorme contenido social, y son de un realismo impresionante. Reflejan la vida y las condiciones de la revolución industrial, desde el ángulo de la gente de la clle, de los obreros, de los más desfavorecidos; en algunos momentos he tenido la impresión de que evocaban a los personajes de Dickens o de Zola. Aparte de su gran valor artístico y su carga estética, es evidente que serían una de las mejores fuentes de investigación antropológica o histórica, ya que ofrecen un valor inestimable para su estudio.

La conclusión es que se trata de una magnífica muestra, fundamentalmente por las obras expuestas, pero también se ha creado el ambiente propicio para poder disfrutar de ellas, sobrio y fácil de seguir, sin un exceso de paneles informativos, apenas los justos, constituyendo las fotografías en si mismas el objeto de deleite y reflexión. Hay que visitarla.

La Fuensanta

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Esta obra del pintor español Julio Romero de Torres ilustró el billete de cien pesetas del Banco de España hasta 1978, y presenta dos historias curiosas: por un lado, el haber permanecido en lugar desconocido durante años, y su posterior hallazgo; la otra historia, es la de la mujer que sirvió al artista de modelo.

El cuadro representa a una chica morena de ojos negros con el pelo recogido apoyada en un cántaro plateado. Es una de las obras maestras del pintor, terminada a finales de 1929, poco antes de morir, en mayo de 1930. Se sabía que Julio Romero de Torres lo había expuesto para su venta en febrero de ese año, en Sevilla, en la Exposición Iberoamericana, y que un coleccionista de arte lo compró. Y ahí se perdió el rastro. Y sin embargo, no hay español mayor de 40 años que no sólo no recuerde el escorzo y la mirada de la mujer, sino que no la haya tenido en sus manos: en 1953 ilustró el dorso del billete de 100 pesetas marrón que circuló hasta 1978. Naturalmente, para su edición no se utilizó el original en color, que seguía en paradero desconocido, sino una fotografía en blanco y negro que Romero de Torres le hizo a la pintura antes de venderla. Aparecido en 2006 en poder de un colecionista argentino en Buenos Aires quien deseaba que la obra fuera autentificada para su venta posterior, tras ser verificado por una de las mayores conocedoras de Romero de Torres, Mercedes Valverde, directora de los museos municipales de Córdoba, se subastó a través de Shoteby’s el 14 de noviembre de 2007, siendo adquirido por un comparado privado anónimo que pagó por él 1.173.375 euros.

La leyenda del cuadro trascendió a la modelo, María Teresa López, que tenía 17 años cuando el pintor la pintó abrazada al cántaro. Meses después la volvió a retratar, junto a un brasero, atizando el picón, en otro cuadro célebre que se conserva en su museo en Córdoba y que fue el último que pintó. A la muchacha, desde entonces, se la conoció como La chiquita piconera, y su historia se mezcló con la del cuadro de tal manera que desbarató su propia vida. Arrastró siempre el chisme -cierto o no- de que fue la amante del pintor. A ello contribuyó el carácter y la fama de Romero de Torres: mujeriego, bebedor, compañero de tertulia bohemia de Valle-Inclán y Ramón Gómez de la Serna, amigo de los toros y las juergas. Por la calle la insultaban.

La mujer que con el correr del tiempo se convertiría en la morena de la copla y en el rostro de los billetes de 100 pesetas aseguró en varias entrevistas antes de morir que posar para Romero de Torres constituyó el origen de las varias desgracias de su vida, pues jamás logró desprenderse del sambenito de mujer fácil en una sociedad hipócrita y santurrona que no la perdonó. Se casó con un hombre que la quiso prostituir y del que terminó huyendo y acabó ganándose la vida de costurera. Murió en 2003, después de que en 2000 Córdoba la homenajeara como la chica del cuadro, la muchacha que nunca dejó de ser a pesar de que murió con 89 años: La chiquita piconera y La Fuensanta.

Pero se ha hablado de “otra piconera”. Su pista se pierde en septiembre de 2002, en un artículo firmado por Aurelio Marítn en EL PAÍS: “En una residencia de ancianos de Riaza (Segovia) vive desde hace 14 años Concepción Cabezón, de 97 años, que fue modelo del pintor cordobés durante sus últimos años de estancia en Madrid. Aunque la mujer es incapaz de recordar para qué cuadro posó exactamente, tanto sus compañeros de asilo como varios medios de comunicación locales le atribuyeron tradicionalmente la figura de la modelo que inspiró al pintor cordobés para pintar su cuadro más famoso: “La Chiquita piconera”. Concepción recuerda que se encontró con Julio cuando paseaba un día por Madrid junto a su madre y éste salía de un café en compañía de sus amigos. En un momento dado la miraron y empezaron a hablar de ella. Al pasar, la entonces muchacha se volvió hacia él y le dijo: “Usted es pintor”. “¿Cómo lo sabes?”, contestó él. “Por su forma de andar”, afirmó ella riendo. Entonces el artista la citó en su estudio al día siguiente para retratarla.”

“Se portó muy bien conmigo y no intentó tocarme en ningún momento. Ya estaba enfermo porque tosía mucho y me mandaba fuera cuando tenía que echarse por un dolor que tenía en la tripa. Me pagaba dos pesetas por sesión. A mí me gustaba estar allí porque era un sitio muy tranquilo”, recuerda la anciana. Aunque la mujer no sufriera ningún acoso por parte del pintor, sí acabó enamorándose de uno de sus mejores amigos, el escultor Victorio Macho, de quien fue amante hasta la muerte de éste, a mediados de los años 60. Sin embargo, el Alzheimer que padece la anciana hace difícil precisar para qué cuadro llegó a posar.”

Alphonse Mucha

Ayer martes visité en CaixaForum Madrid la exposición Alphonse Mucha (1860-1939) Seducción, modernidad y utopía, que se inauguró el pasado día 30 de abril y finalizará el próximo 31 de agosto.

Para quienes no conozcan a este autor y su obra, cito textualmente el apunte que se da en el programa de mano de la citada exposición:

Alphonse Mucha (1860-1939) fue uno de los artistas más conocidos de su tiempo, creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y contaron con imitadores en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética simbolista.

Esta exposición presenta todas las facetas del arte de Alphonse Mucha a partir de cuatro grandes temas fundamentales -teatro, belleza, misterio y modernidad-, y también presta atención a otros cuatro aspectos particulares que permiten comprender mejor el alcance de su obra: la metrópolis como escenario; la fotografía como medio y como arte; la epopeya eslava, una visión, y la difusión del «estilo Mucha», para el que se toma como ejemplo el modernismo en Madrid y Barcelona.

Esta es la primera vez que se presenta en España una gran exposición dedicada a Alphonse Mucha, que es fruto de la colaboración entre la Fundación ”la Caixa” y la Mucha Foundation, entidad que vela por la conservación y divulgación de la obra del artista.

Brevemente daré mi opinión sobre la exposición: considero que se ha hecho buen montaje, con una distribución que facilita enormemente la visita y que separa perferctamente los fondos expuestos en 4 ámbitos independientes, diferenciados por colores:

1. La primera sala reúne la obra relativa al teatro, con los carteles realizados para la actriz Sarah Bernhardt y, en un espacio aparte, los trabajos referentes a la Exposición Universal de París de 1900.

2. Seguidamente, se contemplan sus obras relacionadas con las ciencias ocultas y signos esotéricos. Y en este segundo apartado, también en otro subespacio, las obras de su “Epopeya eslava“.

3. En tercer lugar, podemos ver las mujeres, entendidas por el ator como la representación absolta sde la belleza; son mujeres elegantes, sensuales y seductoras. Compariendo sala, pero en sitio independiente, se pueden observar sus fotografías, casi todas ellas composicione privadas.

4. Finalmente, se exhiben las obras dedicadas a la publicidad, trabajos siempre espectaculares, barrocos, que iniciaron un nuevo campo en el Art Nouveau.

Para terminar, siento la necesidad de señalar la obra que más me ha impresionado de toda la exposición,  que es un pequeño dibujo, de no más de 30 por 40 cm., en lápiz azul sobre papel, del año 1925, titulado sencillamente como ”Retrato de mujer”, que representa el rostro de una mujer, que apoya sobre sus propias manos y que me ha cautivado por sus rasgos, pero especialmente por la fuerza que transmite su mirada. Si vais a ver la exposición, no dejeís de buscarlo.

 

 

Brooklyn Follies (Paul Auster)

 

          Quiero recomendar fervientemente este libro de Paul Auster que engancha desde sus primeras páginas, novela optimista, canto a la amistad y que muestra las ganas de vivir, a pesar de la edad y los condicionamientos y problemas de la vida cotidiana.

          Escrito con un lenguaje sencillo, se lee de un tirón y produce una total empatía con el protagonista, quien nos cautiva con su fuerza vital. Igualmente, las historias que le rodean, contadas de forma sencilla y natural nos dejan al final con un buen sabor de boca, a pesar de las situaciones dramáticas que también ocurren.

Resumen del libro:

          Nathan Glass ha sobrevivido a un cáncer de pulmón y a un divorcio después de treinta y tres años de matrimonio. Y ha vuelto a Brooklyn, el lugar donde nació y pasó su infancia. Quiere vivir allí lo que le queda de su “ridícula vida”. Hasta que enfermó era un próspero vendedor de seguros; ahora que ya no tiene que ganarse la vida, piensa escribir “El libro de las locuras de los hombres”. Contará todo lo que pasa a su alrededor, todo lo que ocurre y lo que se le ocurre, y hasta algunas de las historias- caprichosas, disparatadas, verdaderas locuras- de personas que recuerda. Comienza a frecuentar el bar del barrio, el muy austeriano Cosmic Diner, y está casi enamorado de la camarera, la casada e inalcanzable Marina. Y va también a la librería de segunda mano de Harry Brightman, un homosexual culto y contradictorio, que no es ni remotamente quien dice ser.

Lamento por el cine

          Concretamente el lamento es por las salas de exhibición. Hoy nuevamente volvemos a perder otro lugar mítico de proyección, el Palacio de la Música, en la Gran Vía madrileña cierra definitivamente sus puertas.

          Comenzaron cerrando en primer lugar la mayoría de los cines de barrio, aquellos de dos películas en sesión continua donde pasamos los mejores ratos de nuestra infancia y juventud, por poco dinero, y nos refugiabamos y huíamos de la pobre y gris realidad social, económica y política de una fatídica época, provistos de bocadillos preparados en casa. Quedaron entonces los “cines de esteno”, esos lugares históricos que en sus mejores momentos solo daban “sesiones numeradas” y qué, en el colmo de la elegancia y el buen decoro, exigían que se vistiera con corbata para asistir a ellos. Allí no se podían comer bocadillos, únicamente “bombón helado” en el descanso, o visitar el “ambigú”.

          Luego llegó la transformación de estos “cines” que quedabán, con su sala de butacas, entresuelos, platea y palcos en muchos casos, en “multicines”; disminución del aforo total en varias salas menores buscando el mantenimiento de los beneficios y posibilitando la subsistencia de las salas.

          Y últimamente asistimos a la desaparición progresiva de todo tipo de cines. Ya no es suficiente la fragmentación en salas menores, sencillamente no son rentables y se cesa en la actividad.

          Entiendo que son los nuevos usos sociales y los intereses empresariales los que han originado esta situación, que efectivamente se ha producido un cambio; se dice que la gente no acude ya al cine, aunque personalmente no estoy totalmente de acuerdo con esta afirmación, ya que no hay centro comercial de nueva creación, donde quiera que esté, que no ofrezca sus correspondientes multicines, con asistencia bastante significativa. Pero, sea como sea, no puedo evitar sentir un enorme pesar por el cierre y la desaparición de los cines.  

          Hoy lamento enormemente el del Palacio de la Música de Madrid, y quiero pensar que son muchas más personas las que me acompañan en este sentimiento.

  

Librería Lello & Irmao

          Esta  librería de Oporto, situada en la Rua dos Clerigos, es para mi la más bella de Europa y posiblemente de todo el mundo. Es un  lugar con mucha historia, fue fundada en 1869 bajo el nombre de Livraria Internacional de Ernesto Chardron y a la muerte de éste cambió su nombre por Lello & Irmao en honor a sus nuevos libreros, y así sigue llamándose en la actualidad, conservando no sólo el nombre sino sus instalaciones.

          La fachada, de estilo neogótico, es ya espectacular, pero al penetrar en su interior nos parece que hemos relizado un viaje en el tiempo. Sus techos y estanterías de madera tallada son impresionantes, pero la estrella arquitectónica es, sin duda, la enorme escalera de madera labrada en el centro del local.

          Su forma de caracol y su original bifurcación dan a la librería un toque elegante y clásico a la vez. Por encima de ella, en el techo, una hermosa cúpula de cristal dota de más magia aún al local permitiendo la entrada de una deliciosa luz natural perfecta para la lectura.

          Todo esto relativo al aspecto artístico, arquitectónico y decorativo pero, en cuanto a sus fondos, es imprescindible perderse entre sus estanterías con pequeños cajones con cristales y disfrutar del simple hecho de tocar y hojear los libros.  Pueden encontrase obras de todas las temáticas y estilos, desde las últimas novedades editoriales hasta auténticos tesoros bibliográficos. La mayoría de los libros están en portugués pero también se encuentran obras en castellano.  Un encanto añadido es el poder disfrutar de un café o una copa de “vino de oporto”, sentado en una mesa del piso superior mientras hojeamos alguna de las obras.

         

 

Antonio Ferres

          La editorial Gadir acaba de publicar “El caballo y el hombre” de Antonio Ferres, volumen que recoge alguno de los relatos de este autor perteneciente a la época del realismo social ocultado por el franquismo.

 

          A este autor español, que cuenta ya con más de 82 años de edad, yo no lo descubrí hasta hace poco más de un año con la publicación, en esa misma editorial, de su última novela “Crónica de amor de un fabricantede perfumes”. A partir de ahí empecé a interesarme por él, uno de los creadores de un movimiento español que surgio en los años cincuenta, el realismo social, y que me ha dejado agradablemente sorprendido. Antonio Ferres es un ecritor antifranquista que estuvo en Francia, México, EE.UU. y Senegal como profesor de literatura española, regresando a España en 1976. Hoy puede versele pasear, con una larga barba blanca, por Madrid, concretamente en el barrio de Maravillas.

          Después de leer la obra antes citada, busqué y disfruté de “La piqueta”, novela que había escrito en 1959 y que igualmente me cautivo; posteriormente  leí “Los vencidos” y “Los confines del reino“, que igualmente encontré geniales.

          Por todo ello, aconsejo que si no conoceis su obra os pongais a ello, que no cabe duda alguna de que os proporcionará ratos agradables.

 

 

 

 

 

 

Juan Gelman

Mañana será un día apretado para el poeta Juan Gelman en Madrid. Recibirá en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares el Premio Cervantes 2007; a las seis de la tarde, inaugurará la tradicional Lectura Continuada del Quijote, en el Círculo de Bellas Artes, leyendo las primeras líneas de la obra cervantina y, finalmente, a las 19,30 celebrará un encuentro con jóvenes en el Teatro Fernando de Rojas.

  Creo interesante dar un pequeño apunte sobre este poeta, aunque es sobradamente conocido.

 Nació en Buenos Aires en 1930, hijo de inmigrantes rusos, y se inició en la poesía desde muy pequeño. En 1955 fue uno de los fundadores del grupo de poetas El pan duro, integrado por jóvenes militantes comunistas que proponían una poesía comprometida y popular y actuaban cooperativamente para publicar y difundir sus trabajos.  Fue obligado a un exilio de doce años por la violencia política estatal, que además le arrancó un hijo y a su nuera, embarazada, quienes pasaron a formar parte de la dolorosa multitud de “desaparecidos”.  El 7 de enero de 1990 el Equipo Argentino de Antropología Forense identificó los restos de su hijo Marcelo, encontrados en un río de San Fernando (Gran Buenos Aires), dentro de un tambor de grasa lleno de cemento. Se determinó también que había sido asesinado de un tiro en la nuca. En 1998, al averiguar que su nuera había sido trasladada al Uruguay donde había dado a luz a una niña, exigió la colaboración de los estados argentino y uruguayo en la investigación con el fin de hallar a su nieta, lo que finalmente consiguió y ésta, que había  nacido en Uruguay en 1976 durante el cautiverio ilegal de su madre, luego desaparecida, recuperó sus apellidos familiares por un fallo judicial en el 2005.

 Entre los múltiples galardones que ha recibido figuran el Premio Nacional de Poesía argentino (1997), de Literatura Latinoamericana, del Caribe Juan Rulfo (2000), Iberoamericano de Poesía Ramón López Velarde (2004), Nacional de las Letras Teresa de Ávila (2004), Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda (2005) y Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2005), y en el 2007 el Premio Cervantes que mañana le será entregado.

Recomiendo especialmente la visita de su blog (bitácora lo denomina él), para mejor conocer al poeta y al hombre. 

http://www.juangelman.com/wordpress/

 Y ya para terminar, no puedo resistirme a incluir un poema suyo:

 

UNA MUJER Y UN HOMBRE

 

Una mujer y un hombre llevados por la vida,

una mujer y un hombre cara a cara

habitan en la noche, desbordan por sus manos,

se oyen subir libres en la sombra,

sus cabezas descansan en una bella infancia

que ellos crearon juntos, plena de sol, de luz,

una mujer y un hombre atados por sus labios

llenan la noche lenta con toda su memoria,

una mujer y un hombre más bellos en el otro

ocupan su lugar en la tierra.